L'histoire de l'art - l'étude et le développement des arts visuels - diffère considérablement de la critique d'art en ce que la première utilise un œil objectif plutôt que subjectif.
L'historien romain Pline l'Ancien a flirté avec la discipline de l'histoire de l'art au premier siècle, consacrant le livre 35 de son encyclopédie "Histoire naturelle" à l'art et à l'architecture de l'Antiquité. L'artiste et architecte italien Georgio Vasari (baptisé le "Père de l'histoire de l'art") a publié en 1550 ses "Vies des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes". Et 200 ans plus tard, le savant allemand Johan Joachim Winkelmann a systématisé le sujet comme une succession de styles.
L'invention de l'histoire de l'art moderne est attribuée à Heinrich Wölfflin, dont les "Principes de l'histoire de l'art" en 1915 ont introduit une approche beaucoup plus objective et analytique de l'étude de l'art. L'Allemagne, qui abrite les iconographes innovants Erwin Panofsky, Aby Warburg et Fritz Saxl, est restée un foyer d'érudition en histoire de l'art au cours des décennies suivantes. L'ascension d'Hitler, cependant, a stimulé une diaspora culturelle, forçant de nombreux titans dans le domaine à chercher refuge dans des institutions universitaires en Angleterre et aux États-Unis.
Stacker a consulté des publications sur l'histoire de l'art, des journaux et des magazines de premier plan et des bases de données en ligne pour organiser cette collection de moments et de mouvements significatifs de l'histoire de l'art au cours du siècle dernier.
Dans la seconde moitié du 20e siècle, l'histoire de l'art était une discipline académique internationalement reconnue, les cours d'enquête devenant la norme dans les collèges et les universités du monde entier. La discipline a continué d'évoluer, avec l'introduction de nouvelles méthodologies influencées par une pléthore de philosophies, notamment le marxisme, le féminisme, le relativisme, le post-colonialisme et le structuralisme.
Faites défiler la liste pour découvrir quel chef-d'œuvre néerlandais a été libéré des nazis par un peloton d'élite composé d'historiens de l'art ; quelle légende surréaliste a exposé une nouvelle œuvre choquante après 25 ans de retraite ; et quelle plate-forme de médias sociaux a révolutionné le monde de l'art.
1 / 100 Pablo Picasso a peint deux versions de "Trois musiciens" à l'été 1921 :la toile photographiée ici, actuellement exposée au Philadelphia Museum of Art, et une autre actuellement au Metropolitan Museum of Modern Art de New York. On pense que les trois personnages représentent Picasso avec les poètes Guillaume Apollinaire et Max Jacob. La paire d'images est considérée par beaucoup comme l'apothéose du cubisme synthétique.
2 / 100 "New York Restaurant", peint dans les premières années de la carrière d'Edward Hopper, préfigure la toile historique du maître réaliste de 1929, "Chop Suey", à la fois dans la forme et dans le contenu. L'immédiateté de la scène urbaine ainsi que le jeu distinctif d'ombre et de lumière sont devenus les caractéristiques du célèbre style de Hopper.
3 / 100 Le peintre Robert Henri, un pionnier de l'école américaine Ashcan, a publié "The Art Spirit" en 1923. Une collection d'essais philosophiques sur le processus artistique, le livre est resté influent tout au long du 20e siècle et a inspiré des talents de George Bellows à David Lynch.
[Photo :Artiste et auteur Robert Henri.]
4 / 100 Le surréaliste Man Ray a transformé le mannequin et muse Kiki de Montparnasse en un violon humain pour son image emblématique de 1924 "Ingres' Violin" - à la fois un clin d'œil à l'appréciation de l'artiste pour les nus néoclassiques d'Ingres et un jeu sur l'expression française signifiant "passe-temps". ” La juxtaposition du corps féminin avec des objets inanimés est restée un thème récurrent tout au long de la carrière de l'artiste.
5 / 100 En 1925, l'artiste mexicaine Frida Kahlo a été grièvement blessée dans un accident de bus qui a brisé son bassin et percé son utérus. Alité pendant des mois, Kahlo s'est mis à peindre pour passer le temps. L'accident a hanté Kahlo physiquement et émotionnellement pour le reste de sa vie.
6 / 100 « Black Iris » projette une sensualité brute qui a choqué le public contemporain. O'Keeffe, cependant, a nié que ses peintures de fleurs monumentales étaient destinées à représenter l'anatomie féminine - une théorie d'abord avancée par son mentor devenu mari, le photographe Alfred Stieglitz.
[Photo :Georgia O'Keeffe.]
7 / 100 Le légendaire photographe Ansel Adams, membre passionné du Sierra Club, a capturé la beauté monumentale de l'Ouest américain à travers l'objectif de sa caméra Korona. À l'âge de 25 ans, il a publié le portfolio très réussi, « Parmelian Prints of the High Sierras », contenant 18 épreuves à la gélatine argentique. Le mécène Albert Bender, qui a aidé Adams à publier le portfolio, a proposé le terme "estampes parméliennes" pour la collection.
8 / 100 Le maître régionaliste John Steuart Curry s'est spécialisé dans les scènes représentant le Heartland américain. Son chef-d'œuvre, "Baptism in Kansas," recrée une scène de l'enfance de l'artiste. La toile a été acclamée par la critique lorsqu'elle a été exposée pour la première fois à la Corcoran Gallery de Washington D.C., où elle a attiré l'attention de la riche passionnée d'art Gertrude Vanderbilt Whitney. Whitney est devenu le mécène de Curry, soutenant financièrement son travail et aidant à propulser Curry sous les projecteurs nationaux.
9 / 100 En 1929, la Renaissance de Harlem battait son plein. Archibald J. Motley, moderniste de l'ère du jazz, a capturé la complexité et le dynamisme de l'époque dans son œuvre, qui comprenait à la fois des portraits et des scènes de rue urbaines.
10 / 100 Grant Wood a passé des années à chercher l'inspiration en Europe. L'œuvre qui l'a rendu célèbre a cependant été peinte après son retour aux États-Unis. Une icône régionaliste, "American Gothic" représente ce qui semble être un fermier de l'époque de la dépression et sa femme altérée. L'artiste a voulu que le couple représente le père et la fille et les a modelés sur son dentiste et sa sœur.
11 / 100 Le groupe f basé à San Francisco /64 a rejeté les images trop stylisées caractéristiques de la photographie d'art contemporain, adhérant à la place à la philosophie puriste de la "Straight Photography". Défendue par les chefs de file Alfred Stieglitz, Paul Strand et Imogen Cunningham, Straight Photography a utilisé des appareils photo grand format pour créer des portraits et des paysages exceptionnellement détaillés.
[Photo :Photographie botanique d'Imogen Cunningham.]
12 / 100 Le Courtauld Institute of Art, fondé en 1932 par le magnat du textile Samuel Courtauld avec le vicomte Lee de Fareham et Sir Robert Witt, a été l'une des premières institutions universitaires dédiées uniquement à l'étude de l'histoire de l'art. L'institut reste l'un des centres de recherche universitaire les plus respectés dans le monde de l'art. Installé à l'origine sur Portman Square à Londres, le bâtiment a été transféré dans ses locaux actuels de Somerset House en 1989.
13 / 100 Niché dans les Blue Ridge Mountains, le Black Mountain College d'Asheville, en Caroline du Nord, était une plaque tournante de l'expérimentation du milieu du siècle, attirant des talents majeurs tels que Josef Albers, Cy Twombly, Robert Rauschenberg et Willem de Kooning. Bien que l'institution progressiste ait fermé ses portes après 25 ans de fonctionnement, elle a néanmoins contribué de manière significative à l'évolution de l'avant-garde américaine.
14 / 100 Irving Stone a écrit son roman biographique "Lust for Life" en 1934, racontant la vie mouvementée du peintre postimpressionniste torturé Vincent Van Gogh aux lecteurs du monde entier. Le livre à succès était basé sur des lettres échangées entre l'artiste et son frère, le marchand d'art Theo Van Gogh, et a été adapté dans un film mettant en vedette Kirk Douglas.
15 / 100 Dans le cadre du New Deal, l'administration de FDR a lancé le Federal Art Project. Le programme employait des artistes pour créer des œuvres d'art public à travers les États-Unis. Les candidats devaient prouver qu'ils étaient, en fait, des professionnels, et également démontrer un besoin financier. Parmi les artistes participants figuraient les expressionnistes abstraits Mark Rothko, Arshile Gorky et Jackson Pollock, ainsi que le fondateur de l'Ashcan School, John Sloan.
16 / 100 Financée par la Farm Security Administration, la photographe Dorothea Lange a sillonné le pays pour documenter Dust Bowl America. Son portrait émouvant de la matriarche migrante Florence Owens Thompson reste l'une des images les plus célèbres du réalisme social.
17 / 100 "Guernica", la réponse angoissée de Pablo Picasso à l'horrible bombardement de la ville basque éponyme, a fait ses débuts à l'Exposition de Paris de 1937, sensibilisant aux atrocités commises dans le pays d'origine de l'artiste. La toile s'est ensuite lancée dans une tournée mondiale, collectant des fonds pour l'effort de secours de guerre espagnol.
18 / 100 Abritant l'une des collections d'art médiéval les plus vastes et les plus impressionnantes au monde, le Cloisters Museum du Fort Tryon Park de New York a été financé par le philanthrope John D. Rockefeller. La structure a été conçue par l'architecte Charles Collens et comprend quatre cloîtres médiévaux et plusieurs chapelles démantelées en Europe et reconstruites pierre par pierre sur le site.
19 / 100 L'artiste populaire Anna Mary Robertson, plus connue sous le nom de Grandma Moses, a commencé à peindre à l'âge de 70 ans lorsque l'arthrite l'a forcée à abandonner la broderie. En 1939, le Museum of Modern Art de New York a présenté Moses dans l'exposition de 1939, "Contemporary Unknown American Painters". Ses représentations de la vie rurale dans le nord-est étaient si populaires que le musée a accordé à Moïse une exposition personnelle l'année suivante.
20 / 100 L'adolescent français Marcel Ravidat a inopinément ouvert une fenêtre sur un passé lointain alors qu'il cherchait un passage souterrain légendaire menant à un manoir local. Bien qu'il n'ait pas réussi à trouver une route secrète vers la demeure seigneuriale, Ravidat a découvert l'une des découvertes les plus importantes de l'histoire de l'art du XXe siècle :environ 6 000 peintures rupestres paléolithiques représentant des animaux, des symboles énigmatiques et une forme humaine mystérieuse et solitaire.
21 / 100 En 1936, le financier et ancien secrétaire au Trésor Andrew W. Mellon a proposé de faire don de sa collection d'art privée pour fonder un musée d'art national basé à Washington DC Cinq ans plus tard, la National Gallery, conçue dans le style néoclassique par l'architecte John Russell Pope, a ouvert ses portes portes au peuple américain.
22 / 100 Alors que la Seconde Guerre mondiale faisait rage, l'héritière minière et mécène passionnée des arts Peggy Guggenheim a ouvert sa galerie phare, Art of This Century, dans le centre de Manhattan. Abritant des œuvres modernes d'artistes américains et européens, la galerie comprenait des sections entières consacrées à l'art surréaliste, cubiste et abstrait.
[Photo :Peggy Guggenheim.]
23 / 100 La Commission américaine pour la protection et le sauvetage des monuments artistiques et historiques dans les zones de guerre a été créée en 1943 en réponse au pillage effréné par les nazis des trésors artistiques européens. Composée principalement d'historiens de l'art et de conservateurs de musée, l'unité, connue sous le nom de Monuments Men, était chargée de récupérer, de préserver et de restituer les œuvres volées pendant et après la Seconde Guerre mondiale.
24 / 100 Arshile Gorky (né Vosdanig Adoian) a fui le génocide arménien et a émigré aux États-Unis à l'âge de 16 ans. En grande partie autodidacte, Gorky s'est installé à New York où il est devenu une force puissante de la scène avant-gardiste naissante. "The Liver is a C ** k's Comb", peint vers la fin de la carrière de l'artiste, a été inspiré par la ferme de sa belle-famille en Virginie et les atrocités dont il a été témoin dans son pays natal.
25 / 100 À la fin de la Seconde Guerre mondiale, des mineurs ont dégagé l'entrée d'une mine de sel à Altaussee, en Autriche, révélant des milliers de peintures volées par les nazis dans d'importantes collections européennes. Des officiers du régiment des monuments, des beaux-arts et des archives des forces alliées ont organisé le transfert du trésor pillé - qui comprenait "L'Adoration de l'agneau" de Jan van Eyck - vers un point de collecte central à Munich, où les historiens de l'art ont travaillé avec acharnement pour réunir les œuvres volées avec leurs propriétaires légitimes.
26 / 100 Né en Ohio, le réaliste troublé George Ault a étudié à la Slade School of Art de Londres, mais a passé ses années les plus productives dans la campagne de Woodstock, à New York, capturant le jeu de la lumière et de l'ombre. "Une lumière vive à Russell's Corners," un paysage sombre éclairé par une seule source lumineuse centrale, était peint peu avant le suicide de l'artiste en 1948.
27 / 100 Perché sur une colline à deux pas du Pacifique, Hearst Castle a été conçu pour le magnat de la presse William Randolph Hearst par l'architecte Julia Morgan, la première femme à être acceptée à la prestigieuse École des Beaux-Arts de Paris. Le vaste manoir de style espagnol servait de salon aux célébrités hollywoodiennes, présidées par Hearst et sa maîtresse, l'actrice Marion Davies. Après 28 ans de construction en cours, les travaux sur le projet ont finalement cessé, laissant d'importantes sections de l'extérieur inachevées.
28 / 100 Ému par la publication de Hans Prinzhorn en 1922 "L'art des malades mentaux", Jean Dubuffet a commencé à acquérir des œuvres d'artistes privés de leurs droits du monde de l'art établi - notamment des enfants, des criminels et des patients psychiatriques. Dubuffet a qualifié cet ensemble d'œuvres d'"art brut". En 1948, il fonde la Compagnie de l'Art pour superviser sa vaste collection, désormais hébergée en permanence à Lausanne, en Suisse.
[Photo :Jean Dubuffet.]
29 / 100 L'expressionniste abstrait légendaire Jackson Pollock a électrisé le monde de l'art au début des années 1940 avec sa technique révolutionnaire de peinture d'action. En 1949, Pollock a fait la couverture du magazine Life et est devenu un nom familier.
30 / 100 Avec plus de 7 millions d'exemplaires vendus, E.H. "L'histoire de l'art" de Gombrich est l'un des livres d'art les plus réussis jamais publiés. Cette enquête fondamentale continue d'être une lecture obligatoire sur les campus universitaires du monde entier.
31 / 100 Après avoir rencontré Mies van der Rohe lors d'un dîner en 1945, l'éminent néphrologue de Chicago, le Dr Edith Farnsworth, a chargé l'architecte de concevoir une retraite de week-end à Plano, à proximité. Icône du design moderne, Farnsworth House a été acquise par le National Trust for Historic Preservation en 2003.
32 / 100 L'expressionniste abstraite Helen Frankenthaler n'avait que 23 ans lorsqu'elle a exposé "Mountains and Sea" à la Betty Parson Gallery de New York. Initialement critiquée par la critique, la toile est devenue plus tard l'une des œuvres les plus célèbres de Frankenthaler.
[Photo :Helen Frankenthaler dans son studio.]
33 / 100 Bien que les "White Paintings" de Robert Rauschenberg n'aient pas impressionné lorsqu'elles ont été exposées pour la première fois à la Stable Gallery de New York en 1953, elles ont depuis pris une place de choix dans le canon de l'art moderne. Un départ radical de l'expressionnisme abstrait, les toiles d'une blancheur choquante ont été influencées par l'esthétique bouddhiste. Les images ont été décrites comme des déclarations puissantes sur le processus artistique.
34 / 100 Jasper Johns a créé sa première peinture de drapeau à l'âge de 24 ans, deux ans après sa libération honorable de l'armée américaine. Bien que Johns soit resté silencieux sur la signification précise de son œuvre emblématique, il a peint plus de 100 variations sur les étoiles et les rayures dans une variété de médias au cours de sa carrière.
35 / 100 Les collectionneurs d'art passionnés Sterling et Francine Clark ont envisagé plusieurs sites pour le centre portant leur nom, s'installant finalement sur le campus du Williams College dans l'ouest du Massachusetts. Le bâtiment abrite une galerie et une importante bibliothèque et sert de centre international de recherche sur l'histoire de l'art. L'institut décerne tous les deux ans le prix Clark pour l'excellence en rédaction artistique.
36 / 100 Intersectionnalité fascinante entre l'art et le cinéma, le documentaire du réalisateur français Henri-Goerges Clouzot "Le mystère Picasso" raconte en temps réel le génie de l'artiste. Tous les croquis créés par Picasso pendant le tournage ont été intentionnellement détruits, le seul témoignage de leur existence étant le film de Clouzot.
37 / 100 Le peintre américain Charles Sheeler est crédité de la fondation du mouvement Precisionist dans les années 1920, une progression naturelle compte tenu de sa formation en photographie commerciale. Bien que Sheeler soit resté fasciné par le paysage industriel, ses travaux ultérieurs, tels que sa toile "Red Against White" de 1957, gravitaient vers l'abstrait.
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38 / 100 Le maître de Color Field, Mark Rothko, a réalisé plus de 30 panneaux verticaux, rouges et bruns destinés au restaurant Four Seasons de New York avant de mettre fin à la commande. De plus en plus dégoûté de l'aspect commercial de l'entreprise, l'artiste abandonne le projet et rend son avance.
[Photo :"Red on Maroon" de Mark Rothko, destiné à l'origine au Seagram Building, aujourd'hui à la Tate Gallery de Londres.]
39 / 100 Frank Stella a exposé ses "Peintures noires" au Musée d'art moderne de New York en 1959, mettant ainsi fin à l'hégémonie de l'expressionnisme abstrait. Bien que les toiles géométriques intellectuellement stimulantes de Stella aient d'abord déconcerté les critiques contemporains, elles ont cristallisé l'esthétique minimaliste qui a défini le postmodernisme des années 1960.
40 / 100 Slayton House, nichée dans le quartier de Cleveland Park à Washington D.C., est l'une des trois seules maisons conçues par le légendaire architecte moderniste I.M Pei. La structure de style international se distingue par une série de trois voûtes voûtées de 13 pieds de haut construites en béton coulé sur place.
41 / 100 Les aficionados d'art moderne ont grincé des dents lorsqu'il a été révélé que "Le Bateau", un collage de 1953 d'Henri Matisse, avait été exposé à l'envers pendant 47 jours. L'erreur a été constatée par l'agent de change Genevieve Habert lors d'une visite au Museum of Modern Art de New York.
42 / 100 La brillante carrière d'Andy Warhol s'enracine dans l'appropriation de la culture populaire. Ses "Campbell's Soup Cans" ont été un succès immédiat lorsqu'elles ont été exposées pour la première fois à la Ferus Gallery de L.A. en 1962, l'acteur Dennis Hopper ayant acheté l'une des premières toiles. La galeriste Muriel Latow a été créditée d'avoir donné à Warhol l'idée de la série pop art emblématique, qui réside maintenant dans la collection permanente du Musée d'art moderne.
43 / 100 Plus d'un demi-million d'Américains ont eu un aperçu du sourire énigmatique de Mona Lisa lorsque le chef-d'œuvre de Léonard de Vinci a quitté le Louvre pour un séjour de quatre semaines à Washington DC Afin d'accueillir les foules sans précédent, la National Gallery a ajouté des heures de soirée pour la première fois en son histoire.
44 / 100 "Op Art" a été inventé par l'artiste et critique Donald Judd dans le numéro du 23 octobre 1964 du magazine Time en réponse à une exposition de Julian Stanczak à la Martha Jackson Gallery de New York. Abréviation d'Art optique, la phrase décrit les motifs géométriques cinétiques popularisés par des maîtres du milieu du siècle tels que Ellsworth Kelley et Bridget Riley.
[Sur la photo :la peintre Op Art Bridget Riley, avec des exemples de son travail.]
45 / 100 Fréquenté par des sommités telles qu'Andy Warhol, Richard Serra et Donald Judd, Max's Kansas City était le point d'eau préféré de la scène artistique new-yorkaise des années 60. Le propriétaire Mickey Ruskin était connu pour échanger des boissons contre des œuvres originales de ses clients.
[Photo :Mickey Ruskin, propriétaire de Max's Kansas City.]
46 / 100 L'architecte et érudit Robert Venturi a publié pour la première fois "Complexity and Contradiction in Architecture", une réprimande de l'architecture moderniste, acclamée par la critique en 1966. Le manifeste de Venturi est toujours imprimé et a été traduit en 16 langues.
[Sur la photo :l'architecte et auteur Robert Venturi.]
47 / 100 Diane Arbus a reçu son premier appareil photo en cadeau de mariage de son mari, acteur et collègue photographe Allan Arbus. Huit ans plus tard, les images brutes et controversées d'Arbus ont reçu l'un des plus grands honneurs du monde de l'art lorsqu'elles ont orné les murs du Museum of Modern Art de New York.
48 / 100 La féministe radicale Valerie Solanas, convaincue que la légende de l'art Andy Warhol avait l'intention de voler une pièce qu'elle avait écrite, a abattu l'icône du Pop Art dans son studio de New York le 3 juin 1968. Bien que grièvement blessé, Warhol a survécu à l'attaque. L'incident a eu de profonds effets physiques et créatifs sur l'artiste.
[Photo :Valérie Solanas.]
49 / 100 Considéré comme ayant abandonné l'art 25 ans plus tôt au profit des échecs compétitifs, la sensation surréaliste Marcel Duchamp a pris le monde de l'art par surprise lorsque sa dernière œuvre, "The Waterfall", a été installée à titre posthume au Philadelphia Museum of Art. Le tableau multimédia représente une femme nue sans visage, visible uniquement à travers un judas dans une porte en bois récupérée.
50 / 100 Souhaitant se libérer ainsi que le spectateur des limites de l'affichage intérieur commercial traditionnel, Robert Smithson a créé "Spiral Jetty" - une bobine de 15 000 pieds composée de boue et de basalte noir construite sur la rive nord-est du Grand Lac Salé de l'Utah. En 2017, "Spiral Jetty" a été désignée œuvre d'art officielle de l'État.
51 / 100 L'essai de l'historienne de l'art Linda Nochlin "Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes?" a été publié en 1971 dans Art News. Nochlin a postulé que les normes sociales et culturelles étaient les principaux contrevenants entravant les femmes artistes à travers les âges.
52 / 100 "Ways of Seeing" de John Berger a été créé à la télévision britannique en 1972, changeant à jamais la façon dont les gens du monde entier regardaient l'art. La série a été suivie d'un livre à succès international, qui, comme le programme télévisé, a encouragé la "lecture" des images dans le contexte social et politique de leur création.
53 / 100 Le Whitney Museum of American Art de Manhattan a accueilli sa première exposition biennale en 1932, présentant la peinture et la sculpture contemporaines. Plus de quatre décennies plus tard, la Biennale a adopté une nouvelle prémisse :mettre en relation des artistes en difficulté avec de riches collectionneurs dans le but de stimuler le marché.
54 / 100 Le chef-d'œuvre multimédia de Judy Chicago est composé de 39 décors individualisés représentant des personnalités féminines notables, dont Sojourner Truth, Susan B. Anthony, Mary Wollstonecraft et Emily Dickinson. Conçue à l'origine comme une exposition itinérante, l'installation sert désormais de point central au Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art du Brooklyn Museum of Art.
[Sur la photo :l'artiste Judy Chicago avec "The Dinner Party".]
55 / 100 La pionnière serbe de l'art de la performance, Marina Abramović, a régulièrement utilisé son corps comme matériau source pour son art, de manière mémorable dans son œuvre révolutionnaire de 1975 "Lips of Thomas". Se livrant à des actes d'automutilation alors qu'il était allongé sur un bloc de glace, Abramović a attiré l'attention sur l'abus généralisé de la forme féminine.
[Photo :Marina Abramović.]
56 / 100 L'artiste allemand Anselm Kiefer met pleinement en valeur la psyché allemande angoissée de l'après-Seconde Guerre mondiale dans ses compositions multimédias dures. Sa pièce de 1976, "Faith, Hope, Love", représente une hélice cassée sur laquelle sont inscrits les mots titulaires. Kiefer a décrit ces trois vertus cardinales, articulées par saint Paul, comme "les couleurs sur la palette, les matériaux avec lesquels peindre".
57 / 100 The Yale Center for British Art, gifted to the university by alumni Paul Mellon, boasts the largest collection of British art outside the United Kingdom. The glass and steel structure designed by internationally acclaimed architect Louis Kahn houses works by leading lights John Constable and Joshua Reynolds.
58 / 100 The mid-century modern home and studio built by husband-and-wife design duo Charles and Ray Eames in California’s Pacific Palisades received the American Institute of Architects (AIA) Twenty-five Year Award in 1978. The accolade recognizes innovative buildings that have made a significant contribution to the evolution of American architecture. The couple lived in the home until their deaths and created some of their most influential designs, including their signature chair, on the premises.
59 / 100 Anthony Blunt, director of Britain’s prestigious Courtauld Institute of Art as well as Surveyor of the Queen’s Pictures, was outed as a Soviet spy by Margaret Thatcher in 1979. Blunt secretly confessed to his crimes years earlier and had been granted immunity by the British government. After his traitorous past came to light, the aging academic was stripped of his knighthood and academic post, breaking down in tears during a BBC television interview.
60 / 100 Annie Leibovitz, known for her searing portraits, photographed John Lennon on Dec. 8, 1980, just hours before he was murdered by Mark David Chapman. Leibovitz’s striking image of the former Beatle and his wife, Yoko Ono, was featured on the cover of Rolling Stone.
61 / 100 Francesca Woodman produced more than 800 photographs before dying from suicide at the age of 22. Many of her pieces were moody, surreal self-portraits shot while she was studying at the Rhode Island School of Design. Although relatively unknown during her lifetime, Woodman's work has received numerous accolades since her death.
[Pictured:Francesca Woodman's 'Experimental Étude #184.']
62 / 100 Gallerist Mary Boone ignited the careers of legends Julian Schnabel, David Salle, and Eric Fischl and was appropriately proclaimed “The New Queen of the Art Scene” by New York Magazine in 1982. Her hard-nosed approach to negotiation coupled with a unique, personal style forever changed the landscape for dealers and serious collectors alike.
63 / 100 Known for their fleeting, monumental environmental art installations, husband and wife team Christo and Jeanne-Claude wrapped 11 islands in Miami’s Biscayne Bay with 6.5 million square feet of bright pink fabric. The project, completed in May 1983, lasted just two weeks.
[Pictured:Christo directing Biscayne Bay installation.]
64 / 100 Frederick James’ essay “Postmodernism, or the Cultural Logic of Late Capitalism” appeared in the July 1984 issue of the New Left Review, offering up a biting, Marxist assessment of Postmodernism and the commercialization of contemporary art. James further expanded on his ideas in a book of the same name, published seven years later.
[Pictured:Frederic Jameson.]
65 / 100 Andy Warhol was an early adopter of digital art. In the summer of 1985, he demonstrated his process on a Commodore Amiga 1000 in front of a public audience at New York City’s Lincoln Center, with punk princess Debbie Harry serving as his model. Warhol photographed the singer in black-and-white, then digitized and enhanced the image using a program called ProPaint.
66 / 100 Graffiti artist Keith Haring opened Pop Shop in Manhattan’s SoHo neighborhood in 1986, selling affordable T-shirts, posters, and other items emblazoned with his primary-hued, abstract images. Haring ignored harsh criticism lobbed at the commercial venture, standing by his mission to bring his art to the masses.
67 / 100 Designed by Italian post-modernist architect Renzo Piano, Houston’s Menil Gallery opened its doors to the public in 1987. The gallery is home to the extensive collection of modern and contemporary art amassed by patrons Dominique and John de Menil.
68 / 100 Neo-expressionist street artist Jean-Michel Basquiat lived hard and died young, succumbing to a heroin overdose when he was just 27. He transitioned from graffiti prodigy to gallery darling, making his first million as well as the cover of the New York Times Magazine shortly before his death.
69 / 100 Andres Serrano sent seismic shock waves through conservative circles when his controversial 1987 photograph “P**s Christ”—which depicts a crucifix submerged in a vessel purported to contain the artist’s urine—was exhibited in Virginia. Revelations that Serrano had been the beneficiary of a grant from the National Endowment of the Arts sparked a national debate, culminating a decade later with the much-maligned Supreme Court decision permitting the government agency to deny funding on the grounds of “standards of decency.”
[Pictured:Andres Serrano with his controversial photo "P**s Christ."]
70 / 100 In March 1990, a pair of thieves masquerading as police officers gained access to Boston’s stately Isabella Stewart Gardner Museum and absconded with artwork valued at more than $50 million—the largest art heist in U.S. history. Rembrandt’s “Christ in the Storm on the Sea of Galilee” and Vermeer’s “The Concert” were among the 13 stolen pieces, none of which have been recovered.
71 / 100 Damien Hirst completed his disturbing shark installation,“The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living,” in 1991. The piece was financed by advertising executive and art collector Charles Saatchi. The British bad boy’s controversial work was exhibited at his patron’s gallery the following year and sold for a cool $8.3 million in 2004.
[Pictured:Artist Damien Hirst with shark installation.]
72 / 100 “Sister Wendy’s Odyssey” premiered on the BBC in 1992, bringing the cloistered Carmelite nun-turned-art-historian into millions of households throughout Britain. The smash series was followed by six more deep dives into Western art, including “Sister Wendy’s Pains of Glass” and “Saints with Sister Wendy.”
73 / 100 The annual Outsider Art Fair debuted in New York City’s Puck Building in 1983. Founded by event manager Sanford Smith, the fair features the work of largely self-taught artists working outside the traditional art establishment.
74 / 100 African American artist Kara Walker took the art world by storm in 1995, when her installation “Gone:An Historical Romance of a Civil War as It Occurred b’tween the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart” was shown at the Drawing Center in New York. Walker, whose work focuses on the intersection of violence, sexuality, and enslavement in American history, was 28 when she earned a prestigious MacArthur Fellowship.
[Pictured:Artist Kara Walker with her work at MoMA.]
75 / 100 Artist, critic, and internet pioneer Robert Atkins published “The Art World &I Go On Line” in the December 1995 issue of Art in America. Citing Lycos, WebCrawler, and Infoseek as important resources, Atkins encouraged the art world to make the most of modern technology.
76 / 100 A staggering undertaking, Grove’s 34-volume “Dictionary of Art” contains more than 30,000 entries ranging from pre-history to the present. Updated regularly, the project contains 6,700 articles contributed by scholars around the world. An online version was launched in 2008 by the Oxford University Press.
77 / 100 Robert Colescott leapt onto the international stage when he became the first Black American selected to represent the United States in a solo exhibition at the prestigious Venice Biennial. Colescott’s paintings, noted for their cutting and often satirical reflections on the Black experience in the United States, were exhibited in a retrospective exhibition of the artist’s work at the Cincinnati Art Center in 2019.
78 / 100 Maria Altmann, the octogenarian niece of Viennese art enthusiast and society hostess Adele Bloch-Bauer, launched a grueling battle in 1988 for the return of Gustav Klimt’s legendary portrait of her aunt, looted from the family home by the Nazis during World War II. Eight years later Altmann emerged victorious in her suit against the Austrian government. The incredible story was made into a film, “Woman in Gold,” starring Helen Mirren.
79 / 100 In a breakout moment for New Media, L.A. artist Doug Aitken’s multi-room video installation “Electric Earth” took home the International Prize at the 1999 Venice Biennial. Aitken’s triumph attracted major names to future projects, notably actors Donald Sutherland and Tilda Swinton who appeared in his 2007 piece, “Sleepwalkers.”
[Pictured:Doug Aitken's 2007 installation, "Sleepwalkers."]
80 / 100 At the turn of the second millennium, Tokyo-based artist Takashi Murakami published his “Superflat” manifesto in the exhibition catalog for his show at the Museum of Contemporary Art in Los Angeles. His “Superflat” theory asserted a long tradition of two-dimensional representation in Japanese art, culminating in contemporary manga and anime.
81 / 100 Commissioned in 1935 as a summer home for prominent Pittsburgh couple Edgar and Liliane Kaufmann, Fallingwater is regarded by many as renowned architect Frank Lloyd Wright's masterwork. Perched dramatically above a natural waterfall, Wright affixed the cantilevered concrete terraces to the existing rock, integrating the home into the natural landscape. However, engineering appears to have taken a back seat to aesthetics; a monumental restoration was required in 2001 to prevent the home from collapsing.
82 / 100 The stenciled image of a girl reaching toward a red, heart-shaped balloon mysteriously appeared on a staircase leading to Waterloo Bridge in 2002, leaving Londoners baffled. Attributed to the elusive artist Banksy, several other versions of the image popped up in subsequent years. In 2018, a 2006 version that was auctioned at Sotheby’s for the princely sum of $1.4 million automatically shredded itself by means of a device hidden by the artist within the frame the moment the gavel hit the block.
83 / 100 One of 11 sites operated by the Dia Art Foundation, the Beacon location–situated in the former Nabisco box factory– is one of the largest indoor modern and contemporary art exhibition spaces in existence. Dia Beacon attracts visitors from around the globe and has contributed significantly to the small city’s economic and artistic revival.
84 / 100 Art dealer Pierre Matisse and his wife, Maria-Gaetana, gifted New York’s Metropolitan Museum of Art with more than 100 paintings, sculptures, and drawings from their private collection, including numerous pieces by Pierre’s father, modernist master Henri Matisse. The generous donation was celebrated with a year-long exhibition in 2004.
[Pictured:Artist Henri Matisse.]
85 / 100 Husband-and-wife team Christo and Jeanne-Claude brought "The Gates" to New York City in 2005, erecting more than 7000 vinyl panels draped in rippling orange fabric throughout snow-covered Central Park. The magical visuals were inspired by the Japanese torii gates associated with Shinto shrines.
[Pictured:Christo, Jeanne-Claude, and Michael Bloomberg at the opening of "The Gates."]
86 / 100 Hidden behind a false wall in the home of a Vermont cartoonist for almost 50 years, Norman Rockwell’s canvas, “Breaking Home Ties,” hit the auction block in 2006. The painting, which had been reproduced on the cover of the Sept. 25, 1954 issue of the Saturday Evening Post, sold for $15.4 million—a record price for a work by the beloved American artist.
87 / 100 Organized by Mass MOCA, “Wack! Art and Feminist Revolution,” the first major retrospective of feminist art in the United States, concentrated on the movement's heyday from 1965 to 1980. The traveling exhibit featured 120 artists, including Faith Ringgold, Yoko Ono, and Alice Neel.
[Pictured:Artist Faith Ringgold.]
88 / 100 Curated by Miami’s Rubell Museum, “30 Americans” traveled throughout the United States showcasing important works by 30 contemporary African American artists. Focusing on issues of racial, sexual, and historical identity, the exhibition included works by Carrie Mae Wyineems, Kara Walker, and Kehinde-Wiley.
[Pictured:Artist Kehinde Wiley.]
89 / 100 Oregon State Professor Mas Subramanian serendipitously stumbled on YInMn Blue (also known as Oregon Blue, Mas Blue, and Yin Min Blue) while investigating materials for electronics applications. Similar to cobalt and ultramarine, the intense pigment YInMn Blue is chemically stable, does not fade, and is non-toxic–a game-changer for artists and art supply manufacturers.
90 / 100 Threatened with the withdrawal of federal funding, the Smithsonian Institution in Washington D.C. removed artist and AIDS activist David Wojnarowicz’s 1987 short “A Fire in My Belly” from the National Portrait Gallery’s exhibition “Hide/Seek:Difference and Desire in American Portraiture.” The video, which includes footage of a crucifix covered in ants, drew the ire of the religious right, notably the Catholic League for Religious and Civil Rights.
91 / 100 Activist and artist Ai Weiwei was arrested at Beijing Capital International Airport in 2011, accused of “economic crimes.” A vocal critic of the Chinese government, Ai was committed to holding officials accountable for the shoddily constructed schools that collapsed during the 2008 Sichuan earthquake, killing thousands of children. Art organizations around the world, including the Solomon R. Guggenheim Foundation and the International Council of Museums, protested the artist’s incarceration. He was released after 81 days in custody.
92 / 100 A pastel of Norwegian artist Edward Munch’s “The Scream”—one of only four in existence—destroyed previous records when it hit the block at Sotheby’s New York in 2012. The haunting image sold for $119.9 million at Sotheby’s New York to an anonymous bidder.
93 / 100 Yayoi Kusama, known for her bold fashion sense and trademark polka dots, has enjoyed a long and prolific career, impressing audiences with her multimedia installations since the 1950s. The eccentric Japanese artist reached an even wider audience in 2013 when her “Infinity Mirror Room” created a record number of new fans thanks to Instagram.
94 / 100 Georgia O’Keeffe’s prodigious talent gained her access to New York’s cutthroat art scene alongside her male peers. In 2014, O’Keeffe’s canvas “Jimson Weed/White Flower No. 1” sold for $44 million at Sotheby’s—the highest price ever paid for a work by a woman artist.
95 / 100 A dingy, diminutive painting attributed to an unknown 19th-century artist rocked the art world when it was revealed to be a long-lost work by Dutch Golden Age master Rembrandt van Rijn. Discovered in a New Jersey basement, “Unconscious Patient” originally belonged to a series of paintings depicting the five senses. Estimated to sell for around $800, it was purchased by the Leiden Collection for more than $870,000.
96 / 100 Guerilla Girls, founded in New York City in the 1980s, is a group of anonymous feminist artists/activists dedicated to combating inequality in the art world. In 2016, the collective released a study documenting the hegemony of white male artists in museums throughout Europe.
97 / 100 Believed for years to be the product of his atelier, or even a copy of a lost work by the Renaissance master Leonardo da Vinci, “Salvator Mundi” sold at auction November 2017 for a cool $450.3 million after scholars reached a consensus that the painting was, in fact, the work of da Vinci. The diminutive panel disappeared from public view immediately after it was purchased by an anonymous bidder.
98 / 100 The long-awaited official portraits of Barack and Michelle Obama were greeted with critical acclaim and popular approval when they debuted at the National Portrait Gallery in 2018. Painted by African American artists Kehinde Whiley and Amy Sherald, respectively, the canvases drew unprecedented crowds of enthusiastic viewers.
99 / 100 “Rabbit,” a stainless steel sculpture by art phenomenon Jeff Koons, became the most expensive piece by a living artist when it sold for $91 million at Christie's in 2019. The cartoonish image, created in 1986, prefigures the popular “balloon” animals from Koons' 1990s “Celebration” series.
100 / 100 Shortly after the killing of George Floyd in 2020 and the ensuing rise of the Black Lives Matter movement, Congress voted to remove statues of Confederate leaders from Capitol Hill. In December of 2020 the last of these—depicting the likeness of Robert E. Lee—was finally packed up and relocated to Virginia’s Museum of History and Culture.
